ANATOMIA DE SUPERFÍCIE
ANATOMIA DO MOVIMENTO
E MORFOLOGIA
A Importância da Fotografia para o Desenho Artístico e para o Estudo da Anatomia
A fotografia desempenha um papel fundamental tanto no desenho artístico quanto no estudo da anatomia humana, servindo como uma ferramenta essencial para artistas, ilustradores e estudantes de arte. Desde sua invenção, a fotografia revolucionou a maneira como os artistas captam referências, estudam formas e superfícies e aprimoram suas técnicas de desenho e representação.
1. A fotografia como referência para o desenho artístico
A fotografia permite que os artistas congelem momentos, expressões e composições que seriam difíceis de capturar apenas pela observação direta. Segundo Berger (1972), em “Ways of Seeing”, (Modos de Ver) a fotografia democratizou o acesso a imagens, possibilitando que artistas estudem uma variedade de cenas, luzes e sombras sem depender exclusivamente de modelos ao vivo.
John Berger (1972)
Neste ensaio clássico baseado na série televisiva inglesa Modos de ver, exibida em 1972, John Berger revoluciona a crítica de arte ao apontar as estruturas de poder presentes no processo de criação de imagens. Se hoje, cinquenta anos após a escrita deste livro, ainda é preciso reforçar que “uma imagem é a recriação ou a reprodução de uma visão” ou, como afirma Djaimilia Pereira de Almeida em seu prefácio, que devemos encarar “a visão enquanto vivificação e a observação da arte como paralela à observação da vida”, a leitura de Berger, essencial em tempos de propagandas por toda parte, se faz mais urgente do que nunca.
O primeiro texto parte da pintura a óleo, técnica consagrada pela arte europeia. Após a reprodutibilidade técnica (muito bem tratada por Walter Benjamin), tornou-se possível ver trabalhos a óleo fora dos castelos, igrejas e residências privadas a que se destinaram um dia, e, isolados de seu contexto original, eles circulam pelo mundo sem serem de fato compreendidos. Quando se instituiu que eram obras de arte, esses trabalhos passaram a ser interpretados, e mistificados segundo pressupostos como beleza, verdade e genialidade, os quais eram ditados pelo modo de ver específico de uma minoria social no poder.
Em outro ensaio, John Berger aborda a representação da mulher na arte ocidental, apreendendo de que maneiras na tradição do nu o corpo feminino se tornou objeto a serviço do olhar masculino. Com perspicácia, o autor afirma que o protagonista de um nu jamais é mostrado: ele é o espectador diante do quadro, para quem as “figuras assumem a sua nudação”. Berger esmiuça, ainda, as naturezas-mortas, que em seu auge expunham objetos extorquidos por feitorias escravocratas. E não se priva de olhar para o impacto da publicidade no século XX, expondo como ela se vale da tradição artística para explorar os impulsos consumistas de quem a observa e para quem é direcionada. Modos de ver de J. Berger é um tratado contra o sequestro do olhar pela imagem na sociedade capitalista contemporânea e um alerta para a linguagem não verbal. (1)
John Berger
Além disso, a fotografia digital e os softwares de edição, como o Photoshop, e os diferentes Aplicativos para celulares e Tablets, permitem ajustes de contraste, saturação e enquadramento, auxiliando na análise de valores tonais e estruturas composicionais (modif. de Hogarth, 1996, “Dynamic Light and Shade”).
2. A fotografia no estudo da anatomia artística
Para o estudo da anatomia humana, a fotografia é uma ferramenta valiosa, pois possibilita o registro detalhado de músculos, proporções e movimentos. Artistas como George Bridgman, em “Bridgman's Complete Guide to Drawing from Life” (1952)(3), destacam a importância de usar fotografias para complementar os estudos de anatomia, especialmente quando o acesso a modelos vivos é limitado.
George Bridgman, em “Bridgman's Complete Guide to Drawing from Life” (1952)
George Bridgman, (1952)
Fotografias de cadáveres em livros de anatomia, como os de Frank H. Netter (“Atlas of Human Anatomy”)(4), também são amplamente utilizadas por artistas para entender a estrutura óssea e muscular com precisão. A combinação entre fotografia e desenho permite uma análise mais profunda das formas tridimensionais do corpo humano.
Frank H. Netter (“Atlas of Human Anatomy”)
3. Vantagens e Limitações
Embora a fotografia seja uma ferramenta poderosa, alguns artistas, como Andrew Loomis (“Figure Drawing for All It's Worth”, 1943) (5), alertam para o risco de dependência excessiva de referências fotográficas, pois elas podem distorcer perspectivas e achatam a percepção de volume. Portanto, é recomendável equilibrar o uso de fotografias com o desenho de observação ao vivo.
Andrew Loomis (“Figure Drawing for All It's Worth”, 1943)
A fotografia é um recurso indispensável para o desenho artístico o estudo morfologia, e da anatomia, oferecendo praticidade, precisão e um vasto acervo de referências. No entanto, seu uso deve ser complementar ao treino tradicional, garantindo que o artista desenvolva não apenas técnica, mas também sensibilidade para capturar a essência da forma humana.
Tentei destacar como a fotografia se tornou uma aliada essencial para artistas, proporcionando recursos valiosos para o aprimoramento técnico e anatômico no desenho, seus prós e contras, e seu papel essencial no aprimoramento da habilidade de representar o corpo em sua superfície e em movimento.
Fontes
BERGER, John. Ways of Seeing. BBC e Penguin Books, 1972.
BRIDGMAN, George. Bridgman's Complete Guide to Drawing from Life. Sterling Publishing, 1952.
HOGARTH, Burne. Dynamic Light and Shade. Watson-Guptill, 1996.
LOOMIS, Andrew. Figure Drawing for All It's Worth. Viking Press, 1943.
NETTER, Frank H. Atlas of Human Anatomy. Elsevier, 1989.
Andrew Loomis (“Figure Drawing for All It's Worth”, 1943)
Andrew Loomis (1943)
Andrew Loomis (1943)
Andrew Loomis (1943)
George Bridgman, (1952)
George Bridgman, “Bridgman's Complete Guide to Drawing from Life” (1952)
George Bridgman, (1952)
George Bridgman, (1952)
George Bridgman, (1952)
George Bridgman, (1952)
George Bridgman, (1952)
George Bridgman, (1952)
George Bridgman, (1952)
George Bridgman, (1952)
George Bridgman, (1952)
George Bridgman, (1952)
FOTOGRAFIA COMO REFERÊNCIA
MOVIMENTO
Escorço
O que é Escorço?
Escorço é uma técnica de desenho e pintura que representa um objeto ou figura encurtado pela perspectiva, criando a ilusão de profundidade e tridimensionalidade. Ele ocorre quando um elemento está alinhado diretamente na linha de visão do observador, fazendo com que certas partes pareçam mais curtas do que realmente são.
Características do Escorço
1. Distorção Proporcional: Partes do corpo (como braços ou pernas) ou objetos (como espadas ou edifícios) parecem mais compactos quando apontam em direção ao observador.
2. Uso da Perspectiva: Segue as regras da perspectiva linear, onde formas se estreitam conforme se afastam.
3. Dinamismo: Muito usado em cenas de ação, poses dramáticas e composições intensas para transmitir movimento.
Exemplos Clássicos
- Mãos e pés estendidos em direção ao espectador (ex.: A Criação de Adão, de Michelangelo).
- Soldados em batalha com lanças apontando para frente (ex.: pinturas renascentistas).
- Personagens em voo ou mergulho, onde o corpo parece mais curto devido ao ângulo.
Dificuldades Comuns
- Erros de Proporção: Sem estudo anatômico, o escorço pode parecer desproporcional (ex.: uma mão muito pequena em relação ao braço).
- Falta de Volume: Se mal executado, a figura pode parecer achatada.
Como Aprender?
- Estude perspectiva (livros como “Perspective Made Easy”, de Ernest Norling).
- Pratique desenhando de modelos reais ou fotos em ângulos extremos.
- Use formas geométricas básicas (cilindros, esferas) para entender como se deformam na perspectiva.
O escorço é essencial para artistas que buscam realismo e impacto visual em suas obras!
As imperfeições da IA
O
Nenhum comentário:
Postar um comentário